no es un blog de crítica de cine

El cinéfilo 2.0 y su crimen contra la (in)humanidad

2012-01-19T21:20:00.000-08:00

Sea para quienes no tenemos un cine a pocos minutos de nuestra casa, o bien no tengamos un videoclub con películas con decente calidad tanto en imagen como en variedad de títulos el Internet es el único lugar donde podemos encontrar cintas de nuestro interés. Duela o incomode a tradicionalistas, los cinéfilos del siglo XXI ya somos más de ver en la pantalla 16:9 de nuestra laptop que de hacer fila en las taquillas de los multicines. En mi caso cómodamente en un sillón o en la cama, a la par de un litro de cerveza o un vaso de whisky entre hielos. Soy más etílico que palomitero a la hora de ver películas.

Gracias a los torrents y a los servidores de descarga directa como Rapidshare, Fileserve, el recién clausurado Megaupload entre otros pude acceder (además de títulos conocidos de Hollywood) a las filmografías desde Chaplin, Hitchcock, Bergman, la Nouvelle Vague francesa, clásicos a blanco y negro o tecnicolor a películas de diversas partes mundo, de aire underground e independiente y otros buenos títulos que salen recientemente los cuales no tienen tanta difusión; que a veces ni llegan a las tiendas de video. Ese medio ha sido nuestra cinemateca, de lo contrario hubiera sido difícil y costoso acceder a esas películas que se empolvan en estantes o caen en el olvido tras estrenarse en festivales.

Ante la polémica de la Ley SOPA, el gobierno norteamericano está tomando prácticas orwelianas para clausurar esos portales en pos de los derechos de autor (o más bien de franquicia). Ya que esos sitios evitan tanto a casas disqueras como productoras cinematográfica a seguir ganando más dinero del que les ingresa. Tanto proveedores como usuarios de esos portales de Internet ahora figuramos como nuevos enemigos públicos, pese a que a criminales de cuello blanco como los que generaron la crisis inmobiliaria que se propagó por el mundo aún siguen sueltos e impunes bronceándose en alguna isla del Caribe o del Pacífico Sur.

La verdad no soy de los que buscan vivir lucrando con la piratería de películas como de seguro lo haría Jack Sparrow hoy. En gran parte pues que el gusto no es de mayorías y en mi caso soy más de organizar tandas cinéfilas con amigos o en solitario que andar por la calle vendiendo DVD’s de mala calidad. Si tengo afición por algún cineasta o una película en particular no me duele desembolsar dinero por algún DVD original como acto de veneración al cineasta por su trabajo y también consideración a la industria local, aunque dure más de un año en lanzar un DVD tras el estreno de una película nacional. Algo pesa la conciencia.

La gradería de sol de la cinefilia se ve afectada por estas medidas que se hacen llamar preventivas, pero que sería un paso importante para totalizar el Internet. No sé los críticos o entendidos a sueldo que no tienen que preocuparse por sus pases de cortesía o descuentos en los videoclubes, pero el cinéfilo 2.0 está por entrar en una época oscurantista donde el conocimiento está siendo más restringido y privatizado. En estos momentos se está peleando una guerra encarnizada en Internet por parte del grupo Anonymous contra las webs gubernamentales que nos quieren recetar su SOPA. Hace más de un año no era tan dependiente de las redes sociales comparado a hoy, hace cinco el Internet no me era tan primordial y ver ahora.

Recomiendo una interesante entrada que me encontré de una cinéfila 2.0 en donde hace una buena analogía del tema. Todo esto está dando para hilar fino.

Yo no olvido al año viejo

2011-12-30T16:44:00.000-08:00

Generalmente tanto críticos como blogs peliculeros a los que suelo ojear suelen hacer a esta altura del mes una especie de recuento de las mejores películas que vieron, llámense top 10 o lo que sea. Habitualmente se incluyen películas hechas o estrenadas en el presente año, pero yo que cada día pierdo respeto hacia todo me voy a saltar la norma. No soy muy purista en ver películas estrictamente en salas de proyección. Por mi ubicación geográfica no tengo el lujo de ir al cine con regularidad. Aún así no soy de ver películas como auto encargo según lo estipule la cartelera o los entendidos a sueldo, salvo aquellas que me despierten curiosidad por gente y enlaces que me encuentro en redes sociales. En el transcurso de esta semana he ido ennumerando lo destacado sin orden o calificación, parte de lo que me encontré en multicines, en DVD´s o torrents este 2011 a punto de terminar.

El Mismo Amor, la Misma Lluvia de Juan José Campanella (Argentina, 1999)

Unos amigos me la trajeron de Argentina Junto con el DVD de “El Secreto de tus Ojos”. Una historia romántica que abarca varios años entre la época de la dictadura de Videla hasta el presente de entonces. Ricardo Darín interpreta a un escritor que trabaja para una revista de actualidad el cual tiene varios encuentros con Laura (Soledad Villamil), una camarera ennoviada con alguien que nunca vemos. En cada encuentro promete una buena relación, aunque suele terminar deteriorándose. Así transcurre la película junto a un entrañable reparto secundario que tiene sus altos y bajos al igual que el escritor que interpreta Ricardo Darín.

Somewhere de Sofía Coppola (Estados Unidos, 2011)

Luego de la empalagada dulzona que dio su anterior película (María Antonieta), Sofia Coppola se redime con parte de su público con una cinta que no abandona su tendencia pero donde se encuentra más sinceridad. Vemos el día a día de un actor de blockbusters (Stephen Dorff), quien entre películas y parrandas también es un padre de domingo. Fuera de cámaras y focos resulta alguien común el cual como muchos busca placeres mundanos, aunque es su hija Cleo (Elle Fanning) quien de verdad brinda sentido a su existencia. Bostezo para los que se impresionan fácil. La cotidianidad no suele ser rentable salvo para minorías.

Inception de Christopher Nolan (Estados Unidos, 2010)

Este dandi inglés se ha taladrado bien en la industria con películas muy rentables comercialmente, pero que no pierden calidad artística y profundidad con el argumento. El ritmo tan vertiginoso con el que va la película hace que no haya aburrimiento en las casi dos horas y media que dura. En una guerra de espionaje corporativo un extractor de sueños exiliado por la justicia busca comprar su perdón, aceptando la difícil misión de implantar una idea en el inconsciente un joven empresario. Cobb (Leonardo Dicaprio) no lo tendrá fácil al tener presente la proyección de su fallecida esposa, la cual no perderá momento de sabotear sus misiones. Reparto de lujo que se presta para una película de acción que va más allá de pasar el rato.

Into the Wild de Sean Penn (Estados Unidos, 2007)

Sean Penn no suele pasar mucho rato trabajando detrás de cámaras, pero cuando lo hace no me deja indiferente, en especial a este servidor que se deja seducir por las películas de carretera. Dentro de la tendencia de las road movies podríamos consagrar a Into the Wild a la altura de clásicos como Easy Rider (1969). Con una historia verídica en la que un prometedor yuppie en potencia decide renunciar a su nombre y al materialismo hipócrita, para hacer camino por su propia cuenta saboreando las palabras de Jack London y Boris Pasternak entre otros. Deleite de paisajes que son los últimos vestigios de la Norteamérica rural que ya va desapareciendo y privatizando todo. Memorable también la música y las letras de las canciones de Eddie Vedder que se escuchan de fondo, que plasman la esencia y la sinceridad de esta película.

El Día de la Bestia de Alex de la Iglesia (España, 1995)

Hace más diez años durante mi oscurantista infancia marcada por la religión impuesta y sus prejuicios, veía un comercial donde anunciaban esta película. Visualizando estereotipados signos de satanismo cambié inmediatamente de canal. Jamás me imaginé que esa película un día me haría explotar de la risa con la rocambolesca misión de un cura en pos de evitar el nacimiento del anticristo. Sobra el humor negro y las situaciones insólitas por las que pasan unos personajes extravagantes como así los crea el bilbaíno Alex de la Iglesia. Espero hacer campo en la agenda para ver pronto “Balada Triste de Trompeta”.

Agua Fría de Mar de Paz Fábrega (Costa Rica, 2008)

Una niña y su familia veranean en la playa del parque Marino Ballena en el Pacífico Sur costarricense, aún verde e idílica de mega proyectos turísticos y demás pedos de cemento como los que proliferan en el soleado y seco Pacífico Norte guanacasteco. Paralela a la historia de la niña una muchacha vacaciona cerca de ahí, aunque lidia con el sutil distanciamiento de su novio quien tiene la mente enfocada en otras cosas. A segundas vistas reconozco que si se pasa de ambigua, pero igual defiendo ese estilo y tendencia que tienen algunos cineastas de hacer sus películas de manera que exija al espectador a divagar en el argumento. Que no solo este se limite a comer palomitas y película que le diga toda la historia o siga rígidos órdenes de estructuración.

Control de Anton Corbijn (Reino Unido, 2007)

Por películas suelo incursionar en nuevos gustos musicales, en este caso Control me llevó a Joy Division. Es la biografía en monocromo de su emblemático vocalista Ian Curtis, quien padeció epilepsia más de una vez en conciertos en vivo; además de reiteradas depresiones y bajos estados de ánimo a los cuales canalizó en la música. Esta película en particular busca con su ambiente a que el espectador perciba ese nihilismo tan existencial, que llenó las letras de las canciones de Joy División en los pocos años que tocaron juntos y que desde entonces sigue influyendo en la música y en vida en general.

El Infierno de Luis Estrada (México, 2010)

Quizá la película más descorazonadora que he visto en el año. Luego de criticar con humor la corrupción en La Ley de Herodes (1999), señalar las contradicciones del capitalismo salvaje con Un Mundo Maravilloso (2006) Luis Estrada se junta por tercera vez con Damián Alcázar para entrar en las violentas guerras transfronterizas del narcotráfico que asolan sin piedad entre los mexicanos. Un monstro de muchas cabezas al que cada día se hace más fuerte, gracias a la complicidad de gobiernos (corruptos hasta las entrañas) que ven muy rentable esta guerra de terror a pesar que digan que le están siendo frente. Una tragicomedia de un mexicano que vuelve a su país desde los EE.UU. luego de muchos años para ver su tierra peor antes. No le quedará más remedio que ser un matón más de los poderosos capos de la droga que son los que en realidad mueven los hilos de poder. Un retrato fiel de lo que pasa hoy en México mientras se esparce entre los territorios vecinos.

Caótica Ana de Julio Medem (España, 2007)

Ana (Manuela Vellez) vive con su padre en el más clásico estilo de las comunas hippies en una cueva cerca del mar. Una mecenas ve su notable talento con la pintura y la invita a vivir a Madrid en un instituto donde patrocina a jóvenes dotados artísticamente como ella. A medida que va conociendo gente en un frenesí emocional, un joven hipnotizador ve en Ana la reencarnación de jóvenes mujeres que murieron de forma violenta en diferentes épocas de la historia. Es una especie de fábula feminista ante la lucha de un pasado y presente con hombres de mentalidad patriarcal, los cuales son implacables ante cualquier signo de sublevación femenina. Aunque no es por lo que gira enteramente la película. Interesantes las referencias a la cultura y situación de los Saharauis en Marruecos por la que también gira la película y que gran parte del mundo desconoce.

Los Colores de la Montaña de Carlos Cesar Arbeláez (Panamá-Colombia, 2010)

Entrañable película que me recuerda un poco a la iraquí “Las Tortugas También Vuelan”, por girar alrededor de niños. Ambientada en la Colombia rural que se disputan la guerrilla y los paramilitares, en un enfrentamiento a fuego cruzado en la que la gente siempre queda de por medio. Ante la potencial amenaza de secuestros y escaramuzas, Manuel sueña con ser portero al que de momento se divierte con sus amigos con su pelota nueva. Hasta que esta cae en un campo minado al que no pueden entrar. El miedo cunde entre la población, la cual es obligada a desplazarse. Por lo que poco a poco se van yendo los amigos de Manuel, hasta que el mismo está en la misma situación. No duró ni una semana en los cines de mi país, ahí estará para los que no sientan pereza de per cintas sin caras conocidas y en su propio idioma.

Memorias del Subdesarrollo de Tomás Gutiérrez Alea (Cuba, 1968)

Creo que a partir de esta película quizá tenga un poco de mejor apreciación al régimen castrista, pues no me imagino que algo tan contestatario al régimen se haya estrenado y sobrevivido para contar el cuento. Quién sabe, aunque faltas no faltaron para censurar una película que toca con sal a las llagas. Experimental y muy francesa en su estilo por el pleno apogeo de la Nouvelle Vague, se trata de un hombre de clase alta que a diferencia de sus aburguesados amigos y familiares que ven en ese entonces a Miami como su nueva tierra prometida; decide quedarse en la Cuba socialista como una especie de venganza personal contra la clase alta a la que pertenece. Aunque tampoco se ve calzar dentro del estilo de vida comunista que predicaba de Fidel Castro. Si alguien quiere entender lo que es el tercermundismo latinoamericano esta película lo explica, gracias a las contestatarias divagaciones de Sergio sobre un estilo de vida estancado y que no se supera con el pasar del tiempo; independientemente del gobernante o caudillo que mande en un país. En Memorias del Subdesarrollo nadie salva de alguna indirecta.

Zerkalo de Andrei Tarkovski (URSS, 1974)

La filmografía de este ucraniano ya es de por sí legendaria, pero esta película es de sus propuestas más experimentales tanto en argumento como en lo visual. Lienzos oníricos montados en celuloide de una historia compleja y existencial, que ante cualquier mínima distracción fácilmente se pierde el hilo del argumento. Tarkovski con El Espejo (su título en español) no se rige por las linealidades, para seguir en cambio una lógica visual propia de los sueños que tenemos en la noche como ya la había descrito en otra película visualmente sugestiva. Las tonalidades sepia, magenta, gris o color van marcando pauta en esta enigmática película de Andrei Tarkovski. Técnica también habitual en otras de sus buenas películas, aunque no tan arriesgadas como ésta.

Mr. Nobody de Jaco Van Dormael (Bélgica-Francia-Alemania-Canada, 2009)

Entre muchos entendidos tanto a sueldo como ad honorem no gustó tanto. Yo que cada vez me vuelvo más irracional al ver películas me supo bien y me tuvo la mente en vilo en todo el rato que duró y mucho después de digerir los créditos finales. Muy europea con un reparto de lujo por el cual muchos productores desearían para sus blockbusters. Vemos en más de las dos horas que dura las mil y una vidas de Nemo Nobody (Jaded Leto), en la cual pasa por giros vertiginosos aún por lo insignificantes que sean sus acciones o decisiones. Creo que a más de un espectador no le resultó indiferente este aspecto de la película con la vida personal de cada uno. La verdad yo me voy más por ahí que por desmenuzar esta película en tubos de ensayo.

These is England de Shane Meadows (Reino Unido, 2007)

Retrato fiel de la enferma y decadente sociedad británica de los años ochentas en los cuales predominaron las políticas impopulares de Margareth Tatcher, la guerra de las Malvinas y el movimiento Punk entre los jóvenes que transmutó gracias a esos problemas sociales en el violento hooliganismo. Reflejado tanto en estadios de futbol como en las calles, siendo las minorías étnicas y emigrantes lo que lo pasaron más mal. Vemos aquí a un chico desadaptado en la sociedad, cuyo padre murió en la guerra encontrar espacio en una alegre pandilla de punks; pero al aparecer en escena un xenofóbico hooligan salido de la cárcel las cosas van cambiando de cause. De la película salió una continuación a modo de miniserie titulada These is England 86, alusivo quizá al campeonato mundial de ese año. No la he visto, aunque he de imaginarme la cara de los furibundos personajes al ver al Maradona driblar del equipo inglés como conos de entrenamiento.

El Regreso de Hernán Jiménez (Costa Rica, 2011)

En estos últimos cinco años el cine de mi país ha venido despuntando en cantidad de películas realizadas. Si antes había que esperar años para saber de alguna, hoy se puede jactar de haber estrenado por lo menos cuatro este año. Pero es quizá está última película de Hernán Jiménez la que se tenga presente por mucho tiempo. Sorpresivamente financiada por el público, este no se vio defraudado por una historia palpable y honesta de un muchacho que regresa al país luego de varios años el cual encuentra el ambiente más caótico que cuando lo dejó. Quien quiera darse una imagen real de lo que es Costa Rica, sin caer en los estereotipos tercermundistas de las “Banana Republic” recomiendo esta película. Pues más que retratar a una sociedad va más en enfocar a la gente en sí con sus tristezas y alegrías. Sin mencionar al memorable personaje de César el Metalero, quien transmite alma y visceral sinceridad a esta película.

Rango de Gore Verbinsky (Estados Unidos, 2011)

Hace poco tiré pedradas a la industria animada de Disney y su engañada concepción de mundo. Tras ver este y otros animados ya hechos digitalmente, puedo afirmar que me siento optimista con el futuro de este tipo de películas. Más críticas, mejor argumentadas, divertidas incluso y sobre todo ya no se escuchan las cansinas cantaletas de lo felices que son todos. Rango es una lagartija que termina en un árido pueblo del oeste en el que viven aves, roedores y reptiles, en una visión muy crepuscular. El lugar está asolado por sequía que tiene en vilo a la población animal por la amenaza de la falta de agua, ante la impasibilidad de un corrupto alcalde. Inspirado en una figura alusiva a Clint Eastwood, Rango pasa de ser la pusilánime lagartija atolondrada al defensor que hace frente a los bandidos. En definitiva las películas animadas año con año se van superando.

Españistán de Aleix Saló (España, 2011)

Es un cortometraje animado el cual explica sin mucho aspaviento académico el cómo se ha dado la Crisis Inmobiliaria en España, la cual ha dejado sin empleo a más de 4 millones de personas. El nombre es alusivo al estereotipo de los países árabes en vías de desarrollo, cultura arraigada ibéricamente a pesar lo que digan los sectores más xenofóbicos de la península. El corto trata de dar explicación en seis minutos aproximadamente en cómo el gasto y el endeudamiento desmedido condenan de por vida a la persona que se enganchó tan fácilmente del espejismo de bonanza, sufriendo hoy el acoso de los desahucios.

The Tree of Life de Terrence Malick (Estados Unidos, 2011)

Hay gente que hace películas todos los años sin llegar a mostrar gran cosa. Terrence Malick en cambio no se anda de autobombos y demás alusiones mediáticas para realizar sin mucha prisa parte de las mejores películas que hayan hecho. Un trabajo visualmente perfecto que divaga en la existencia, el universo y en la religión que termina por ser un amigo imaginario más para la mayoría del mundo. Idea hueca e inerte en la que encomendamos toda nuestra fe sin recibir ninguna respuesta. La mejor película que he visto y no solo de este año.

Nostalgia de la Luz de Patricio Guzmán (Chile, 2011)

Documental que medita sobre el universo y la memoria histórica chilena. El desierto de Atacama es un lugar ideal para los astrónomos mediante un complejo de radios y telescopios que adentran su alcance entre la infinita oscuridad cósmica para el estudio de los cuerpos celestes. En la época de la dictadura de Pinochet también fue ideal aunque para desaparecer a la gente. Hoy mientras científicos de todo el mundo miran arriba para encontrar datos sobre el origen del universo, otros escarban las áridas tierras del desierto para encontrar a sus familiares desaparecidos. Se ve la gran paradoja que entre más reciente es la historia, más renuente es mirarla. Contrario a la milenaria edad de planetas y estrellas cuya luz llega a La Tierra aunque ya hayan dejado de existir.

Another Earth de Mike Cahill (Estados Unidos, 2011)

Una de las buenas y raras películas que salen al año y que no tienen mucha difusión, excepto para sitios o blogs con buen gusto para curiosear películas. Batallé endemoniadamente para encontrarla, tras estrenarse a principios del 2011 en Sundance. Trata de una prometedora joven en la que una noche de parranda por la celebración por su admisión al MIT como física, ocasiona un accidente con secuelas profundas para un prometedor músico. Eso cuando al mismo tiempo un extraño fenómeno espacial ocurre en el cual tanto La Tierra como La Luna se duplican. Al salir de la cárcel Rhoda (Britt Marling) trabaja como conserje y trata de enmendar su culpa. Ciencia ficción con sabor existencial como gusta a pocos que no se dejan embelesar por los efectos especiales.

Melancholia de Lars Von Trier (Dinamarca, 2011)

El egocéntrico y siempre enfermo de déficit atencional de Lars Von Trier tiene algo a su favor, en que a pesar de cagarla constantemente con lo que dice cuando estrena sus películas éstas le salvan parte del mandado. En su segundo intento de emular y superar a Andrei Tarkovski (al que esta vez no le vi dedicatoria en los créditos), nos da una película en la cual se centra en la figura de dos mujeres. Justine (Kirsten Dust) quien tras su fallido casamiento sufre de una depresión que viene arrastrando tiempo atrás y su hermana Claire (Charlotte Gainsburg) con su paranoia al misterioso planeta Melancholia que amenaza con cruzarse con la órbita terrestre. Fue un gran año para las películas con referencias al cosmos desde un punto de vista existencial. Melancholia al igual que El Árbol de la Vida, La Otra Tierra e incluso el documental de Nostalgia de la Luz coronan un 2011 que fue al infinito y más allá.

La vida no es una película de Disney

2011-12-25T14:07:00.000-08:00

Así lo dice Joaquín Sabina y lo creo yo. No hace mucho me compartieron vía Facebook, entre noticias o videos musicales a los que uno usualmente da "Me Gusta", un extracto de un documental sobre los estereotipos y los valores que pregonan las películas clásicas de la franquicia Disney. Uno de niño jamás se imagina que una inofensiva película infantil sirva y forme parte de una inmensa maquinaria de propaganda, pero así lo han empleado los régimenes totalitarios de cualquier color político. Me quedo erizado con el mensaje inconciente que transmite "La Bella y la Bestia" como lo explican acá, ni qué decir de los estereotipos racistas y etnicos que eran comunes en los animados. Uno de chico creció con una imagen idealizada de Walt Disney como el hombrecillo sonriente que hacía dibujos animados por amor a los niños, aunque la otra historia que uno tarde o temprano se llega a enterar es que este hombrecillo de bigote profesaba amor al dinero y al Nazismo. Otra cuestión que no figura es que sus historias jamás salieron de su imaginación, sino del plagio a los cuentos europeos. Verdaderos relatos de terror adaptados para niños.

Este es un mes en el que los canales de TV transmiten las mil y una versiones de "Cuento de Navidad" y que se desempolvan de las videoteclas más de un clásico animado, donde todos los personajes brincan y cantan felices. De mi parte y aunque me tilden de Grinch hoy veo que la navidad es algo que sirve para mantener las apariencias con los familiares o conocidos, mientras se hace alarde del materialismo. No luce que alguien como yo en medio trópico ponga escarcha falsa para que adorne un árbol navideño de plástico. Resumo como lo comentó una amiga en ese enlace compartido.

"Llámenme alarmista o resentida pero yo jamás jugué con barbies y la única película de Disney que vi completa en mi infancia fue el rey León, aprendí a caminar con tacones a los 23 años, todavía no se maquillarme y no creo ser el monstruo o la bruja malvada de alguna de esas películas, pero sostengo firmemente que mientras una persona siga creyendo que el mayor regalo una nena es una barbie (entre más rubia, flaca y más rosada mejor), para un nene una pistola lanzadora de miles de balas, en que se debe tener paciencia porque dios proveerá, que algún día llegará el príncipe azul o la princesa modelo las cosas seguirán camino al carajo"

Excepciones a la regla

2011-12-16T13:02:00.000-08:00

No hace mucho decidí repasar lo que me hacía falta ver por parte de Woody Allen. Me encontré títulos que no figuran como director aunque sí toma mucha parte sea actuando o escribiendo. He de recopilar algunas películas que rompen bastante con el reciente e incendiario decálogo publiqué no hace mucho:

Take the Money and Run (1969)

La película más (groucho) marxista que ha hecho. No se veían entonces grandes pretensiones intelectuales como se verían en futuros trabajos, pero divierte de sobra con un humor entendible para todos los públicos sin ser barato. De las pocas películas donde vemos a Woody Allen interpretando a esos entrañables perdedores que buscan sin mucho entusiasmo su lugar en el mundo, aquí interpretando a un ladronzuelo de poco rango y mala suerte. Suele ser menospreciada por la mayoría incluso por su propio realizador, pero yo la tengo en una especie de altar. La tengo muy por encima de otras cintas que se creen más de lo que son.

Play Again Sam (1972)

Generalmente si uno se suelta llorar en una película es cuando termina, pero aquí me pasó lo contrario. “Sueños de un Seductor” es basada en una obra teatral de Allen, el cual solo se limitó en esta película a escribir el guión y actuar. Es una especie de remembranza a Casablanca, donde Woody Allen interpreta a un torpe personaje el cual aprende a ligar por un Humphrey Bogart alucinado. Como me reí con ese personaje, desde Napoleón Dinamite nunca había visto a alguien tan deprimente y entrañable en una película. Conmueve en su comienzo donde se evoca a los minutos finales de Casablanca, donde el nostálgico personaje de Allen despierta luego de ese sueño que es la película. Ver primero Casablanca antes que esta cinta para entenderla y saborearla.

The Front (1976)

Hay cosas raras en el mundo: un político honesto, un judío pobre y Woody Allen tomando parte en una película de crítica social. En este caso este actor interpreta a alguien quien sirve como tapadera a los escritores y artistas del medio perseguidos por ser comunistas en la Era del Macarthismo. Woody Allen es un dependiente y corredor de apuestas sin convicciones políticas, el cual se va enredando e involucrando con los problemas relacionados a la Caza de Brujas que sufrieron muchos creativos del medio norteamericano; algunos de los cuales son sus amistades dentro de la historia de la película.

En esta película es destacado mencionar la participación de Zero Mostel, quien años antes sufrió en carne propia la persecución a la que fue sometido al testificar ante el infame Comité de Actividades Antiestadounidenses. Si he de ser sincero esta película me quita mucha de la imagen negativa de Woody Allen sobre estos temas, a los cuales pensé que ignoraba por completo.

Broadway Danny Rose (1982)

Sin alejarse de los círculos artísticos, esta vez Woody Allen se enfoca en interpretar a otro de los entrañables perdedores como Danny Rose, un atolondrado representante de figuras artísticas de poca demanda o en decadencia. Echado de lado cuando alguna de sus estrellas repunta y busca a otros que lancen a mejores escenarios. No hay final feliz, salvo por una buena sensación que evita la amargura completa de Danny Rose.

Small Time Crooks (2000)

En la época menos favorita en cuanto a este realizador se refiere, sale una película que si bien no abandona los lujos; hace una buena crítica de las clases altas cuando el ladrón ya envejecido de “Toma el dinero y corre” quiere hacer un último golpe del cual necesita del patrocinio de su esposa; quien es renuente al principio en tomar parte en un negocio de galletas que sirve como tapadera al atraco al banco. El negocio de las galletas resulta exitoso, lo que les da fortuna a los ladrones convirtiéndolos en nuevos ricos. Por la vía mala entenderán que tener lujos y rodearse con gente culta o adinerada no lo es todo en la vida.

Me hace gracia que en esta película Woody Allen interpreta quizá a su personaje más inculto, a quien su repentina riqueza no lo termina por seducir a diferencia de su esposa. Me resulta verlo comiendo comida chatarra mientras ve TV, o bien ir a un juego de beisbol en lugar de ir a la opera.

10 pasos para ser un cineasta como Woody Allen

2011-12-12T20:42:00.000-08:00

Escribirás en lo posible la misma historia sobre un tipo escuálido, citadino e hipocondriaco el cual tiene que ligar por lo menos tres veces en la película. Para eso es importante un continuo cambio de parejas con los personajes secundarios. El personaje principal además debe ser un intelectual, erudito en literatura rusa, inestable emocionalmente y un amante del cine de Bergman o Fellini.
A partir de ahí los personajes que giren con el protagonista (tu alter ego) deberán de ser también igual de inestables, recurriendo constantemente a los psiquiatras y a la sobre medicación. Citadinos que se vean pusilánimes en el mundo rural. Serán en lo posible escritores, pintores, músicos de jazz, publicistas, fotógrafos, académicos, críticos de arte y demás áreas que se relacione con lo intelectual o creativo. Difícilmente todos vayan a pertenecer a esos círculos bohemios, por lo que también recurrirás a personajes de clase alta: viejos magnates y ejecutivos de mente ultra conservadora, tan McCarthistas como las frívolas mujeres con las que se casan y emborrachan con champan. Vale también alguno que otro yuppie que sirva de mecenas para alguna mente artística de la que trate tu película. No es importante enfocarse en la existencia de seres comunes de la clase media baja como son los inmigrantes y demás minorías étnicas, que viven explotados por un sistema que los trata como esclavos; mientras tratan de sobrellevar sus problemas sin tener tiempo para caprichillos existenciales o depresiones superfluas cuando están sobre el diván.
En tus guiones los personajes estarán constantemente hablando, aunque lo hagan por el simple hecho de hablar. Nada de largos silencios o de complejas elipsis narrativas. Lo que escribas se habla, aún si esto llega a exasperar al espectador.
Filmarás siempre en áreas urbanas, en lo posible en lujosas locaciones de tu ciudad. Europa es ideal pues es un sitio ideal para tus cultos y aburguesados personajes. Armarás un guión a base de la guía turística de la ciudad a donde vayas. Te sugerirá evocadoras locaciones ideales para encuentros y desencuentros románticos y cultos, aunque resulten algo clichés. Londres ofrece lujosos barrios donde lo multicultural queda por fuera. Barcelona te mostrará su dócil y arraigado españolismo que ha caracterizado al pueblo catalán durante monarquías y dictaduras. En Roma evocarás a Fellini… y siempre nos quedará París, la que para ti será tu segunda casa con un apartamento con vista a la Torre Eiffel; al alcance de los museos-palacios donde vivían los despreocupados nobles franceses hasta que la plebe indignada los decapitara. Nada de ir a filmar a países del tercer mundo, pues no tienen bastantes locaciones glamorosas para rodar tus historias. En esas Bananas Republic deberás sobornar al caudillo de turno para que te dé vía libre como no pagar las cargas sociales de los trabajadores que contrates. Por eso y mucho más no es muy viable ir a esos distantes rincones geográficos.
Sé un nostálgico a toda regla, pues el tiempo pasado siempre fue mejor. Sobre todo los despampanantes años veintes donde todo era abundancia y algarabía, hasta aquel martes negro de 1929 que bajó a todos los riquillos de la nube. El presente jamás será demasiado bueno, tanto por los frívolos añoran las décadas de despreocupación y prosperidad; como los contestatarios y anti sistemas que añoran vivir un Mayo del 68. Aún cuando este 2011 suelen ignorar a la Primavera Árabe, los indignados españoles del 15-M, el Movimiento Ocupa en Wall Street o la Movilización Estudiantil en Chile que lleva ya siete meses.
A esto último va el siguiente paso: Enfócate 100% en ti mismo, que no salga de ti ni un mínimo rasgo de conciencia social. Va ha ser importante a la hora de dar carácter a los pedantes personajes que saldrán de las líneas de tu laptop o máquina de escribir. Tan absortos en su materialismo y en la vacía existencia de sus lujosos apartamentos de Park Avenue, como para echar si quiera una mirada al poco glamoroso gueto de Harlem.
Siempre mantén el mismo estilo a la hora de montar tus películas. No importa que en pleno siglo XXI pongas todos los créditos al comienzo de la película como se hacía hace 40 años: la pantalla en negro con letras blancas y el arcaico jazz que tanta nostalgia te despierta. Un minuto y medio que puede despertar impaciencia y bostezos al cinéfilo que pagó su entrada o bien descargó vía torrent la película antes que se estrenara en su país.
Ten una actriz fetiche, para que te la ligues dentro y fuera de cámaras. Si ésta se aburre de ti recurre a otras que a la vez irán marcando pauta en tu carrera cinematográfica. Si alguna de ellas le dé por la filantrópica actividad de adoptar niños o niñas del tercer mundo, cuando éstos tengan la mayoría de edad podrás meterle los cuernos con alguna de sus hijas adoptivas. Aún con el riesgo de que tu mujer sea amiga de un cantante mafioso y éste te amenace con romperte las piernas.
Cuando tu carrera como cineasta comience a tambalear un poco por el peso de tus años y ya las actrices no quieran ligarte, aférrate a tu época dorada para que alguna figura mediática del momento (no importa que no haya actuado jamás) despierte curiosidad en ti y quiera participar en tu siguiente película. Con suerte sea la guapa esposa del presidente de un país de primer mundo, el cual te dé vía libre para todo siendo ojalá en la ciudad de tus sueños mojados.
Por más necesidad creativa que te despierte por nada del mundo hagas algo experimental con tus películas, pues amenaza con romper el estilo por el que tanto te han alabado. Con el tiempo encontrarás nuevas generaciones de críticos o seudo-intelectuales que no pararán de adularte por algún trabajo tuyo que consideres una mierda. Entre más trasgresor que seas contigo mismo más mal hablarán de ti, mientras más ordinario seas al final de los días como realizador más te querrán. Sean los actores que buscan tener una película tuya en tu currículum o algún festival europeo que desea abrir su muestra con una cinta tuya fuera de concurso. Así como tu primera década de carrera ésta deberá terminar igual.

The Works

2011-12-04T17:41:00.000-08:00

Así como uno se encuentra video-homenajes en youtube hechos a brocha gorda, rara vez se encuentran algunos que si valen la pena ver. Además de Malick se pueden encontrar de Quentin Tarantino, Stanley Kubrick, Sam Mendes, los hermanos Coen, Paul Thomas Anderson o Darren Aronosfky. Estos montajes son hechos por el editor Joel Walden, quien se dedica al parecer a montar los trailers de películas. En este perfil se pueden encontrar estos y otros trabajos de él y en este otro otros montajes para gente como Danny Boyle, Christopher Nolan, Sofia Coppola, entre varios otros. Unas joyas, aunque jamás por encima de las películas.

Secret Dossiers

2011-11-25T17:51:00.000-08:00

Arriagado

2011-11-21T15:17:00.000-08:00

Soy chilango. Nacido en el 58. Piscis, del trece de marzo. Soy hijo de Carlos y Amelia; esposo de Maru; padre de Santiago y Mariana; hermano de Patricia, Carlos y Jorge; tío de Alan y hermano de esos otros hermanos que son los amigos. No fumo no bebo. Soy abstemio desde niño. Detesto a los que dicen: “Desconfío de los que no beben alcohol”. Detesto también a la gente pusilánime, admiro a los intensos, a los que van con todo, a los que no se detienen ante nada, los hombres y mujeres que dejan pedazos de piel donde caminan. Carezco de olfato y me quedé calvo. De chavo era muy malo para la madriza (por eso precisamente no tengo olfato), pero luego me compuse y aprendí a meter las manos. Intenté ser boxeador de peso semicompleto y futbolista profesional. No lo logré. Pude ser un buen basquetbolista, pero me ganó la desidia y terminé como jugador de cascaritas de apuesta. Crecí en la colonia Unidad Modelo, Delegación Ixtapalapa, en México D.F. Mido 1,88 y peso 90 kilos.

Soy cazador. Como dice Miguel Delibes: “un cazador que escribe”. La cacería es uno de los últimos y más profundos ritos a los cuales puede acceder un ser humano. Nos enfrenta a las contradicciones más terribles: muerte-vida, belleza-crueldad. Otorga un sentido de identidad: entre el lodo, la sangre, el viento, la lluvia, el sol, descubrimos que pertenecemos ferozmente a la naturaleza. De ella han surgido todas mis historias. La literatura también es uno de nuestros últimos ritos. Contando historias los seres humanos podemos celebrar los hondos dolores de la vida. Por eso se siguen escribiendo novelas, cuentos y guiones. Por eso escribo yo. Las influencias en mi obra son la calle y el monte. Siempre, más que otros libros. La vida misma, con crudeza y su dulzura, con sus desgarros y sus festejos. Mis autores favoritos son aquellos que beben de lo humano. Como decía Saint Beauve: “Prefiero los libros lo más posible hombres y lo menos posible libros”.

Soy autor de: Escuadrón Guillotina (1991), Un dulce olor a muerte (1994) y El búfalo de la noche (1999) y un libro de cuentos, Retorno 201 (2003). Mi obra está traducida al inglés, alemán, griego, checo hebreo, holandés, portugués, italiano y francés. No hay mayor privilegio para mí que ser leído en otro país. Soy también autor de Amores perros (2000), 21 gramos (2001) y Babel (2006) y Los tres entierros de Melquiades Estrada (2005) dirigida por Tommy Lee Jones. Por esta obra gané la Palma de Oro al mejor guión en el Festival internacional de Cine de Cannes en el 2005.

Tomado de las solapas de los libros de Guillermo Arriaga.

...

Una road movie por la ruta jacobea

2011-11-05T22:47:00.000-07:00

Como suele pasar siendo novato en cuanto a gusto literario inicial, cuando comenzamos a consumir bets-seller El Peregrino de Paulo Coelho generalmente es de las primeras opciones. Dejando de lado el discursillo de autoayuda que el autor busca vendernos, llama la atención una tradición religiosa que va más hacia la aventura que sobrevive con el paso de los siglos. No se cuestiona la vocación cristiana-católica de España, arraigada por defecto en sus colonias latinoamericanas derivando en costumbres y mentalidades oscurantistas. Sin embargo, hoy el Camino de Santiago no parece ser algo exclusivo de fanáticos religiosos que caminan penitentes a la tumba del apóstol.

The Way (El Camino, 2010) es protagonizada por Martin Sheen. Este veterano actor de raíces gallegas e irlandesas se pone a la orden de su hijo Emilio Estevez; director, guionista y actor del proyecto para mostrar el drama de un padre que se entera de la muerte de su hijo el cual iba a empezar una travesía hacia Santiago de Compostela. Renuente en el principio, decide comenzar la caminata que dejó inconclusa su hijo Daniel (interpretado también por Emilio Estevez) en Jean Pie-de-Port en la frontera con Francia. Irá pasando por rústicos y ancestrales pueblos a lo largo del norte de España. Con las dificultades que suele dar cualquier andanza Sheen se irá encontrando con gente de diversas geografías, que sin embargo no peregrinan por razones estrictamente religiosas.

Si hay algo que rescato a esta cinta es no pegarse a una sola visión religiosa, porque el argumento se prestaba dar gastados sermones de iglesia. Se va en cambio a cosas más personales e incluso mundanas. Pues más que una romería que se haga por tradición, quizá su auge va entre un viaje existencial o al simple deseo aventurero. Esto hace que hoy el Camino de Santiago no le sea excluyente al mundo, cada vez más escéptico y secular. Ni siquiera excluir como pasa en la historia si los nuevos peregrinos fumen marihuana, busquen placeres carnales en las posadas, traten de bajar de peso o bien intenten salir de un bloqueo creativo. Tanto espectadores como personajes, no dejamos de asombrarnos por los evocadores entornos y la inmensa riqueza cultural de la también llamada Ruta Jacobea.

Tengo entendido que The Way se estrenó hace ya casi un año en España. Soy muy optimista sí creo que se vaya a exhibir en países como Costa Rica. De todas maneras no la excluyo de los videoclubes y al Internet. Buena recomendación para quitar malos sabores de boca como Vicky Cristina Barcelona y la gastada imagen ibérica que da, en gran parte gracias a la vomitiva visión de mundo de Woody Allen. El cual se limita a ambientar sus pedantes historias con lo que dice la publicidad turística. The Way en ese punto le gana por goleada por mostrar un relato más honesto con sus personajes, la gente y el entorno que pueblan el trayecto a Santiago de Compostela.

Entre el cosmos y la memoria

2011-10-23T23:05:00.000-07:00

“Hemos hecho un trabajo tan pésimo en lo que respecta a administrar nuestro planeta que deberíamos tener mucho cuidado antes de tratar de administrar otros”

Carl Sagan

Hace un tiempo mientras divagaba en cuestiones de astronomía, una amiga me opinaba con toda razón en que es muy contradictorio que mientras se empleaban muchos recursos para la exploración espacial aún no hay mucha voluntad en solucionar los problemas del mundo. Más que un ciudadano de un país, continente o planeta voy más allá como un ser insignificante en la vastedad del universo. Creo que no debemos soslayar lo que pase aquí, al igual que no ignoremos lo que podemos aprender más allá del Sol.

En el documental chileno Nostalgia de la Luz (2010) hace un justo balance al analizar la astronomía y el cruento pasado chileno. Ciencia e historia encuentran puntos en común, analizando paradojas y casos en particular. El desierto de Atacama es un lugar ideal para la astronomía por su constante cielo despejado el cual facilita el trabajo de observatorios y radio telescopios, como tristemente también lo fue para ocultar los crímenes de la dictadura de Augusto Pinochet. Hoy en el Atacama mientras en la noche los astrónomos miran al cielo en sus telescopios, de día los parientes de miles de desaparecidos dan vuelta a la tierra seca del desierto para dar con los restos de sus familiares.

Se dice dentro del documental que Pinochet prohibió el estudio de la astronomía, pues podría ser de ayuda para un pueblo sublevado. No muy lejos de un observatorio en el Atacama, el dictador reactivó las instalaciones de una antigua mina para convertirla en un Gulag en la cual encerró a prisioneros políticos. Algunos de ellos eran astrónomos que encontraron en el cielo estrellado la única vía de escape al tormento ocasionado por los esbirros pinochetistas.

En una parte de la película un astrónomo analiza que su trabajo aunque no parezca tiene mucho que ver con la historia, más en concreto con el pasado. Asombra saber que muchas de las estrellas que vemos en el firmamento quizá ahora no existan. Su brillo, a miles o millones de años luz de la Tierra aún llega continuamente hasta que llegue el momento en que no encontremos rastro de su resplandor. Hace ver que el astrónomo es un arqueólogo del universo que indaga en los rastros del Big Bang. Eso sí, aclara que su búsqueda no tiene el mismo peso angustiante que tienen las que hacen los familiares de los desaparecidos en el Atacama con la ayuda de antropólogos.

También se comenta que la historia más reciente parece estar más encapsulada que la contada por las estrellas, pues hay mucho por qué avergonzarse y muchos de esos culpables siguen rondando sueltos haciendo de santos. No por algo la juventud chilena está harta de la herencia pinochetista (soslayada incluso por sus gobiernos de tendencia más progresista), al igual que el inepto gobierno conservador que tiene hoy. El presidente Piñera ya no tiene mineros atrapados bajo tierra para rescatar su popularidad y no le queda más de otra que encarar el malestar que tiene la población.

En ocasiones creo que cuando no se encuentra la solución de los problemas del mundo, no queda más remedio que recurrir al universo. Aunque lo más conveniente sería valernos de lo que hay dentro del rango de gravedad terrestre.

Memories of Green

2011-10-21T13:43:00.000-07:00

Este hombre fue escogido entre mil...

debido a su fijación

por una imagen del pasado.

Al principio...

nada más que desgarro

en tiempo presente...

y sus potros de tortura.

Se empieza de nuevo.

El sujeto no muere, no delira.

Sufre.

Se prosigue.

El décimo día...

empiezan a manar las imágenes,

como revelaciones.

Una mañana en tiempo de paz.

Una habitación en tiempo de paz,

una habitación de verdad.

Niños de verdad.

Pájaros de verdad.

Gatos de verdad.

Tumbas de verdad.

El decimosexto día,

se encuentra en el muelle.

Vacío.

A veces,

encuentra un día de felicidad...

pero diferente;

un rostro de felicidad...

pero diferente.

Ruinas.

Una mujer que podría ser la que busca.

Se han cruzado en el muelle.

Desde un coche, la ve sonreír.

Aparecen otras imágenes...

que se mezclan, en un museo

que podría ser el de su memoria.

El trigésimo día...

se encuentran.

Esta vez está seguro de que es ella.

Es la única cosa

de la que está seguro...

en este mundo sin fecha...

que le conmociona por su esplendor.

A su alrededor,

hay materiales fabulosos...

vidrio, plástico...

y tejidos esponjosos.

Cuando sale de su fascinación...

la mujer ha desaparecido.

Tomado de La Jetée (El Muelle, 1962) de Chris Marker.

...

Guíanos, hasta el fin de los tiempos

2011-10-13T17:47:00.000-07:00

¿Dónde estabas tú cuando hice los cimientos de la tierra? ¿Cuando las estrellas del alba alababan y todos los hijos de Dios gritaban de alegría?

Job, versiculo 38: 4,7

Hace pocos años dejé de creer en Dios dentro del concepto que comúnmente se promueve. Rezos reiterados, misas los domingos, caerle bien a todo el mundo en la iglesia y demás hipocrecías. Por ahí en Facebook veo un enlace popular que dice "no tengo nada en contra de Dios, lo que no soporto su club de fans". Pero la verdad sería muy absolutista de mi parte declararme ateo, por más excéptico que sea no solo de la religión; sino de todas las cosas en general. Tanto las creencias como las ideologías están como placebo mental para los que quieren encontrar respuestas rápidas y obvias a sus preguntas.

Si hay alguna filosofía que se acerca más a mi concepto de existencia es la panteísta, a la que me referí en la entrada pasada. Una constante en mayor o menor medida que se da en la corta filmografía de Terrence Malick, al que posiblemente de joven poco a poco se adentró en el camino del excepticismo. El cual a través de sus películas peregrina una eterna búsqueda de respuestas sobre la existencia en sí. Es válido desconfiar del concepto de "dios" que pregona el clérigo nazi que lidera el Vaticano, aunque no me atrevería a soslayar que dentro de la existencia del mundo y el universo hay una energía presente que lo mueve todo, que para bien o mal incide en la gente. Una energía que la humanidad en su existencia le ha dado multitud de nombres (Yavé, Alá, Dios...) en la cual ha muerto y matado para imponerlo así entre los demás.

Esto y más es lo que divago aún a dos semanas de haber visto El Árbol de la Vida, que desde entonces no he querido ver alguna otra cinta. Aún no he terminado de digerir el infinito mensaje visual que transmite a través de las soberbias imágenes captadas por Emmanuel Lubezki y los suyos, hombre-cámara y mano derecha de Malick en sus últimas películas. La lógica en el montaje de la película es tan coherente como los sueños que uno tiene por la noche. Imágenes sueltas y desordenas que apenas recordamos al despertar.

Las secuencias de la creación de la Tierra y el cosmos me reafirman la idea de que algo invisible y poderoso mueve la existencia, tan grande que marcarle un comienzo seria una ingenuidad. Pero no creo válido apartir de esa idea crear amigos imaginarios para justificar nuestras ignoracias y maldades. Como dijo un científico que no recuerdo el nombre y como lo canta el uruguayo Jorge Drexler en sus canciones "la materia no se crea ni se destruye, solo se transforma". Pienso que ahí radica la eternidad, en ciclos aparentemente cortos como la existencia de una estrella.

El idealismo panteísta de Terrence Malick

2011-10-03T17:15:00.000-07:00

El panteísmo se podría definir (alejado de la jerga académica que muchas veces nos resulta aburrida o pedante) como una creencia en la cual tanto la naturaleza, como Dios y el universo son una misma cosa. No voy a alardear de saber esto hace mucho. Dentro de algunos de los blogs que suelo fisgonear un poco; cuya procedencia ya gozó del estreno de la última película de Terrence Malick encontré este término del cual es una constante en la corta pero notable filmografía Malick, cineasta y filósofo tejano de ascendencia libanés. Un hombre muy contrario a muchos de sus colegas, el cual no gusta de salir frente a las cámaras o de cualquier actividad mediática. Además de que rara vez concede entrevistas.

Empecé a amar el bosque. El arrullo de las palomas y el zumbido de las libélulas en el aire lo hacían parecer solitario y como si todo estuviera muerto. Cuando las hojas se movían era como si los espíritus murmuraran acerca de todas las cosas que les molestaban.

Malas Tierras (Badlands, 1973)

Terrence Malick hizo Badlands con todas las privaciones propias de una ópera prima, la cual se realizó al final ad honorem tanto por la gente detrás de cámaras como los protagonistas Martin Sheen y Sissy Spacek. Pese a pasar bastante desapercibida en cuanto a taquilla, anduvo peregrinando por festivales de cine como el de San Sebastián donde resultó ganadora. Una chica impresionada por el aire rebelde de un muchacho, emprenden una huída juntos quitándose a quienes se les pongan de frente.

Una vuelta hacia lo salvaje en la cual tratan de vivir de la tierra, alejándose del materialismo mundano del mundo en que viven. No se les hace fácil, pues en la cultura norteamericana esas actitudes contestatarias son un bofetón por lo que les comienzan a dar caza sin cuartel. Entre huídas y esporádicas paradas, Malick comienza a darnos sus primeros aires panteístas con imágenes doradas de las planicies rurales, los animales, insectos y cualquier signo de vida. Siempre acompañados de la voz en off de Sissy Spacek, cuyo personaje se comienza a maravillar de esos detalles no solía poner atención.

El sol parece fantasmal cuando hay niebla en el río y no hay ruido. Nunca me había dado cuenta. Vimos árboles, con sus hojas al viento. Parecían sombras que venían a por ti.

Días del Cielo (Days of Heaven, 1978)

De los cincuentas se pasa a las primeras décadas del siglo XX, en donde Malick igual que en Malas Tierras nos muestra a personajes rebeldes y despreocupados. Dos amantes Bill y Abby (Richard Gere y Brook Adams) y la pequeña hermana de uno de ellos que para sobrevivir no les queda de otra que andar errando por trabajos temporales en el campo o la ciudad. Encuentran empleo en las extensas planicies de Texas donde un solitario terrateniente (Sam Sheperd) cosecha trigo. Desde su casa el granjero se irá fijando en Abby, quien entrará al igual que Bill entrarán en la vida cotidiana del granjero pasándose por hermanos.

Su realizador sigue como hizo en su anterior trabajo enmarcando paisajes evocadores como pinturas en lienzos y narrando en forma personal la historia, esta vez por parte de la pequeña hermana de Bill. Malick comienza a mostrar ambos lados de la naturaleza, la que da en cosechas abundantes y la quita a base de plagas como la de las langostas. Que como el fuego emergen en un punto tenso donde los personajes explotan y se van el límite.

Con Días del Cielo Terrence Malick se iba consolidando como cineasta de autor. Aunque casi nadie se explica el porqué quiso pausar abruptamente su carrera durante veinte años, tiempo en el cual vivió en Francia. Parecía que Malick no solo no era un cineasta del montón, sino que era raro y único.

¿Por qué esta guerra en el corazón de la naturaleza? ¿Por qué compite la naturaleza consigo misma? ¿Se enfrentan la tierra y el mar? ¿Existe tal poder de venganza en la naturaleza? ¿No un solo poder, sino dos?

Quizá todos los hombres tengan una sola alma, de la cual todos formamos parte. Aspectos del mismo hombre. Un ser superior.

Esta gran maldad. ¿De dónde viene? ¿Cómo se infiltró en el mundo? ¿De qué semilla, de qué raíz creció? ¿Quién es el autor? ¿Quién nos está matando? Robándonos vida y luz. Burlándose de nosotros con visiones de lo que podríamos haber conocido. ¿Se beneficia la Tierra de nuestra ruina? ¿Acaso ayuda a que crezca la hierba o a que brille el sol? ¿Se encuentra esta negrura en ti también? ¿Has atravesado una noche semejante?

La Delgada Línea Roja (The Thin Red Line, 1998)

En 1998 el siempre publicitado Steven Spielberg ganaría elogios de crítica y público con Salvando al Soldado Ryan, mismo año en que Terrence Malick quiso volver a estar detrás de cámaras con una película muy opuesta a la de Spielberg. Era la misma guerra, pero tanto el frente que se ambienta como el enfoque que se da resultaron bastante opuestos. En su momento me resultó muy entretenida Salvando al Soldado Ryan, aunque hoy diría sin menospreciar sus detalles técnicos y secuenciales que es un discurso patriotero y sin profundidad mística como si la tiene La Delgada Línea Roja de Malick; la cual se ambienta en el Frente del Pacífico específicamente en la campaña en la isla de Guadalcanal.

No deja de ser película bélica, pero en ella Malick encuentra mucho espacio para visión panteísta de la vida. Pues más que un conflicto entre norteamericanos y japoneses es una guerra de dilemas morales por parte de combatientes que constantemente se dialogan consigo mismos. Una guerra en la naturaleza, que aún cruenta y salvaje encuentra espacio para los paisajes mágicos del trópico. Ni aún todo el reparto de lujo, en el que predomina Jim Caviezel como el rebelde soldado que libra sus propias batallas personales junto con un Sean Penn algo cínico y pesimista, no puede robar cámara al entorno natural que Malick pone como protagonista principal.

No la valoré como debía cuando salió, ¿pero que iba entender un chiquillo de doce años que solo buscaba entretenerse? Hoy ya puedo ver sin bostezar la profundidad de sus imágenes y sus diálogos, que buscan trascender más allá de aburridos y gastados discursos patrioteros.

Ven, espíritu. Ayúdanos a cantar la historia de nuestra tierra. Eres nuestra madre; y nosotros, tu campo de maíz. Nos elevamos desde tu alma.

¿Quién eres tú a quien oigo a la distancia? ¿Quién no deja de exhortarme? ¿Qué voz es la que habla dentro de mí, que me guía hacia lo mejor? Madre... ¿Dónde vives? ¿En el cielo? ¿En las nubes? ¿En el mar? Muéstrame tu rostro. Dame una señal.

El Nuevo Mundo (The New World, 2005)

Esta vez Malick no vuelve a esperar tanto para realizar su siguiente película, El Nuevo Mundo. Esta vez se va la época colonial, retomando la historia de Pocahontas y John Smith para adaptarla a su manera. Siempre fiel a sí mismo ahondando bastante en la naturaleza desde el punto de vista de sus personajes, en especial de los nativos americanos que poblaron el territorio que hoy se conoce como Virginia hace cuatro siglos.

Y es que en mayor o menor medida, los personajes comulgan con la naturaleza. Por un lado los europeos embarcados hacia los desconocido, que si bien lo que le mueve es más la avaricia que los buenas intenciones pasa como en el caso de John Smith (Colin Farrell) que buscan asentarse para encontrar aventura y prosperidad; lejos de una patria donde no suelen tener mucha oportunidad. Por la vía mala entenderán que antes de buscar oro y riqueza primero deben aprender a echar raíces, no subestimar a la naturaleza la cual rinde cuentas de sus actos con inviernos y sequías. Por si solos no sobrevivirán.

Muy opuesto sucede con las tribus nativas. Ya enlazadas desde hace siglos con la naturaleza en una armoniosa relación simbiótica, profesan con tradiciones ancestrales un estilo de vida noble con ellos mismos; contrastados a las malas vibras que desembarcan de las naves británicas las cuales comienzan a corromper todo. Es algo que como sucede a la hija del cacique, que aún cuando adopta otra cultura, ropas o esté lejos de donde creció no deja de reverenciar las deidades místicas de la tierra.

Quiero destacar aquí la inclusión dentro del staff técnico y artístico al mexicano Emmanuel Lubezki, director de fotografía y gran operador de cámara que hizo notables trabajos en películas como Sleepy Hollow (1999) de Tim Burton y Children of Men (2006) de su compatriota y amigo Alfonso Cuarón. La imagen y fotografía es el fuerte de las películas de Malick, pero con el Chivo Lubezki se superaría notablemente. El mexicano emplea la cámara de manera que el espectador vea el ambiente tal como lo perciben los personajes, sin abusar tanto de imágenes estáticas como móviles.

El hombre tiene dos formas de ir por la vida. La forma de la naturaleza y la forma de la gracia. Tiene que elegir cuál de las dos seguir. La gracia no intenta complacerse a sí misma. Acepta que la echen a un lado, olvidada, rechazada. Acepta insultos y heridas. La naturaleza sólo desea complacerse.

Algún día caerás y llorarás, entonces por fin lo entenderás. Todo.

Guíanos, hasta el fin de los tiempos.

El Árbol de la Vida (The Tree of Life, 2011)

Quería ver esta película primero en cine, pero por lo que me encontraba en Internet en cuanto a la expectativa comercial posiblemente pasaría como el caso de El Nuevo Mundo que ni siquiera llegó a Costa Rica dentro de lo qué. Pese que no lleva mucho estrenada por Europa y los EE.UU. pude encontrar por descarga directa la película en muy buena definición de imagen. De lo contrario mejor ni verla como se venden las versiones piratas de la calle con pésima calidad. Tratándose de una película de Terrence Malick donde lo mejor y primordial es la imagen en lo posible hay que ir por la alta definición (HD).

Tenía altas expectativas con El Árbol de la Vida. No solo se cumplieron conmigo, se superaron. Eso sí y como pude leer no se trata de una película para todos los públicos. Como leí por ahí hay dos tipos de públicos que están yendo a ver El Árbol de la Vida: los que quieren ver la última de Terrence Malick o los que quieren ver la última de Brad Pitt, éstos últimos a la larga son los que se están yendo de la sala a la media hora de proyección. No se trata de una historial lineal y redonda que muchos se esperan ver. Es diferente por ahí van los aplausos o los descontentos.

En un simple relato sobre una familia norteamericana de los años cincuentas, Malick ahonda en el alma humana como en los orígenes de la vida y el universo. El misterio de la existencia como tal. Con sublimes imágenes de La Tierra y el espacio exterior, escuchando de fondo a Smetana, Bramms, Tavenner o Malher, nos sumergimos en un armonioso frenesí visual que no recuerdo haber vivido con otras películas (bueno, tal vez 2001 de Kubrick). Naturaleza y gracia parecen ser el dilema existencial de Jack adulto (Sean Penn), los cuales llegan a ser simbolizados por un estricto y laborioso padre (Brad Pitt) con una noble y bondadosa madre (Jessica Chastain).

Se afirma cansinamente que es una película que se ama o se odia. Yo diría más bien que cautiva o simplemente es indiferente. También creo que no es tan viable medirla dentro de la nomenclatura de la crítica de cine, pues aunque pueda calzar es como tratar de insertar un círculo por una abertura cuadrada. Personalmente me resulta hasta insultante basarse solo en esos parámetros para dar un criterio sobre la película. Pues quien se vea capaz de asimilar El Árbol de la Vida, primero tiene debe tener la habilidad de ver al día cambiar de color en pocos segundos.

El curioso caso de Mr. Nobody

2011-09-27T16:20:00.000-07:00

De muchos recursos y ambientes, la película de Mr. Nobody (2009) no hay orden en cuanto a la estructura convencional de la historia se refiera. Lo que no quiere decir que falte coherencia. Da la sensación de leer el final de un libro en el primer capítulo.

Relatos que parecen metidos unos en otros, donde hasta hay campo para la ciencia-ficción en viajes estelares a Marte de caótico final. Las dudas cósmicas de que si la expansión o contracción del universo inciden más que una gota de agua, una hoja seca o el aleteo de las mariposas. Nemo Nobody (Jared Leto) es un bicho raro al saber sus mil un destinos posibles según cada insignificancia que haga. En un futuro transhumanista es una especie de fósil de otras épocas en donde las personas podían morir. El personaje tiene la certeza de saber todos los “y si hubiera” en sus mil y una posibles vidas, lo que parece convertirlo en un ser miserable. Pues no hay mucha satisfacción en viajar en los túneles cuánticos de Donnie Darko para ver que hubiera sido mejor o no.

Por ratos me pareció que trató de abarcar mucho de lo que podía aguantar, por eso quizá Mr. Nobody me dio para divagar de sobra; más allá de lo que pueda medir la nomenclatura de la crítica de cine. En los diversos variados pasados, presentes y futuros de Nemo Nobody este no parece contento con lo que le puede tocar: una vida de clase media con una esposa neurótica. Otra de lujos y abundancia con un matrimonio a conveniencia. Una más contestataria y rebelde propia de un ermitaño urbano que trata de rencontrarse con la persona que lo complementó tiempo atrás. Aún por las diferencias ninguna parece mejor que otra, pues las insignificancias marcan un rumbo inconforme.

A esto hemos llegado

2011-09-21T17:21:00.000-07:00

Imagen tomada del blog La Calle Morge

Este es el reverso de una de las entradas de la película El Árbol de la Vida (2011), que recientemente se ha estrenado este año luego del Festival de Cannes en donde salió premiada. Son cosas como esta que decepcionan de mi generación. Nunca he visto un insulto a ese nivel hacia un artista (llámese cineasta, escritor, pintor, músico, etc), más tratándose de Terrence Malick que no es uno del montón. Industria y público no pueden caer más bajo.

Indignante.

Lo que divago con El Regreso de Hernán Jiménez

2011-09-17T17:36:00.000-07:00

ESTO ES COSTA RICA

Ciudad

El olor café chorreado por las mañanas. Desayuno calentado en microondas. Taxis y buses peleando por cada centímetro de calle. Los indigentes que aún siguen durmiendo en los cartones. Las sodas de las esquinas vendiendo empanadas y pollo frito. La gente apurándose para llegar temprano al trabajo o la U. Los empleados de la muni, el MOPT o el AyA trabajando al compás del taladro. Algún local asaltado. La gente caminando por los bulevares. Los que venden películas pirateadas en mala calidad. Las palomas de la Plaza de la Cultura. Las nicaragüenses que venden nacatamales. Los letreros feos y sucios de cada local. Los aguaceros en los que no tenemos con qué taparnos. Los haitianos que venden paraguas. Los vendedores ambulantes que se suben a los buses a todo pulmón. Los que asaltan en las calles. El Paseo de los Estudiantes transformado en Barrio Chino. Las presas de 7am y 5pm. Los precarios donde ya no cabe la gente. Las calles estrechas donde pueblan los carteristas. Los vidrios empañados de los buses y taxis. Las casas enjauladas con rejas. Los amigos metaleros. Algún botadero improvisado en un céntrico lote abandonado. Los piedreros que piden una tejita. Los bares llenos. Las telarañas de cables de luz con varios pares de tenis enrolladas. Los que caminamos sin mirar a nadie…

Campo

Los que madrugan para viajar dos horas en bus hacia su lugar de trabajo o estudio. La especie en vías de extinción llamada agricultor, hombre de sol a sol y de días nublados. Los que se levantan a mitad de la madrugada al primer canto del gallo. El fogón y la cocina de leña. Los yiguirros que llaman la lluvia. Aguadulce con gallo pinto. La tortilla con queso. El indio gnobe que viene a coger café (materia prima de Starbucks) desde Panamá para recibir una miseria de salario. Los mecánicos ociosos que se hacen piques en motos o cuadraciclos. Las fiestas de vecindario con reguetón, bachatas y cumbias a todo volumen por doce horas. Los que van en carro para no caminar hasta el super de la esquina. Los vecinos chismosos. Los piratillas que se parquean en el centro del pueblo. Las viejillas santulonas. El cura que se cree el dueño del pueblo. Las mejengas en los caminos. Los amigos metaleros. Las familias que aún crían animales de corral. La gente desconocida que saluda en la calle. Los que dan algún aventón al que va caminando. Los que buscan dinero fácil, pero pagandolo caro. La tierra mojada. El olor de la flor de café en mayo. La certeza de una hora de tranquilidad en la calle…

…el olor a café chorreado por las mañanas.

Me aleje o no, para bien o mal. Todo esto fue, es y será mi casa.

Antes del regreso hay que pasar por el puente rojo

2011-09-06T20:00:00.001-07:00

The Red Bridge from Hernan Jimenez on Vimeo.

Luego de mucha espectava y publicidad en redes sociales y del boca a boca, el realizador Hernán Jimenez finalmente estrenó El Regreso (2010) en las salas de nuestro país. Eso ya apenas un año de exhibir su primera película A Ojos Cerrados (2008), la cual que no contó con la económica ayuda rápida que tuvo El Regreso gracias a la plataforma de donación de Kickstarter. Esto le permitió a cinesta costarricense agilizar un estreno pronto. Terminar de filmar una película es la mitad del trabajo de la misma, por lo que la tarea de post-producción y difunción suele ser ardua. En especial en el patrocinio.

Por cuestiones geográfica todavía no he visto la película. Si no pasa nada extraordinario es posible que para esta semana haya ido al cine, al igual que las más de 12 000 personas que fueron el fin de semana para ver El Regreso. Por mientras me encontre por ahí un buen cortometraje de Hernán llamado The Red Bridge, el cual supongo lo hizo en su época como estudiante de actuación. Acá este realizador ejérce como hombre orquesta, haciendo prácticamente toda la producción en un corto simple, pero muy surtido de virtudes en especial lo visual. Sacando provecho a los paisajes urbanos de la ciudad de San Francisco.

Resulta buen aperitivo vísperas de ir a la sala de cine. Vemos a Hernán entonces mirar por última vez al Golden Gate, para verlo más tarde bajar del avión en el áeropuerto Juan Santamaría.

Inglaterra, 1983

2011-08-21T13:04:00.000-07:00

Agosto del 2011 se ha convertido en un mes caótico dentro de Gran Bretaña. No es para menos que los disturbios que se están dando en las ciudades inglesas, al igual que sus prácticas de represión, parecen salidas de una olla de presión explotadas por los recientes escándalos de corrupción política y periodística. En donde están envueltos tanto el gobierno británico como el poderoso imperio mediático de Rupert Murdoch (del que Matt Groening se inspiró para crear al Sr. Burns).

Trapos sucios de un magnate que ha movido hilos y ha manipulado a su conveniencia la opinión pública, gracias al sensacionalismo pregonado por The Sun y el ahora clausurado News of the World. El Sr. Murdoch ya no es tan intocable como creía y mientras el parlamento británico le ha pedido rendir cuentas, las calles de Londres y otras ciudades importantes son centro de desordenes. Un hooliganismo que suele ser la única válvula de escape para los que nacen sin poder, como canta Charly García cuando demuele hoteles.

Todo esto me hace remontar a una película que busqué hace bastantes meses, la cual me fascinó por el gran collage de imágenes con el que empieza. Tres minutos al compás de un reggue en donde se mezclan a Margareth Tatcher, manifestaciones de protesta con la boda del buen Charlie y la princesita Diana, hasta manifestaciones de los skinheads ingleses sazonadas con imágenes de archivo de la Guerra de las Malvinas. Para los británicos los ochentas fueron una década salvaje, la cual dejó cicatrices y heridas abiertas. Así se ve en This is England (Esto es Inglaterra, 2007), un relato de ese tiempo a los ojos de Shaun (Thomas Turgoose).

Con su madre Shaun recién se cambiaron de ciudad, pero tiene problemas de integración y suele ser objeto de burla en la escuela porque su padre murió en Malvinas (Falklands para los británicos). Tras un mal día Shaun se topa con Woody (Joe Gilgun)y su pandilla de despreocupados skinheads, donde encuentra un lugar y camarería en medio de un idílico ambiente urbano. Eso hasta que aparece en escena Combo (Stephen Graham), un amigo de Woody que recién salió de la cárcel. Combo llega desfigurado en la versión más violenta de los skinheads, alimentado por ideas racistas y xenofóbicas. Un mensaje que trata de inculcar en la pandilla de Woody, que en Shaun le llega muy hondo por su resentimiento social.

Es una película de contrastes. Así como puede retratar de manera entrañable la amistad y el compañerismo de los chicos en los barrios proletarios ingleses, no esconde la dureza y la furia de los más radicales en sus convicciones; que ondean orgullosos una bandera blanca con la cruz de San Jorge. Pero en general es una historia que llega a conmover por el trasfondo global que envuelve el conflicto en Las Malvinas, que se da a ambos lados del Atlántico. La Inglaterra multicultural como la capital del mundo que fue va mostrando síntomas de decadencia moral y social. Algo que hoy parece haber cobrado vigor.

El discurso de Cantinflas en “Su Excelencia”

2011-08-14T12:29:00.000-07:00

Aunque ya no suelo hilar tan fino en discursos políticos y demás fábricas de bostezos, aprovechando el calor del momento en el centenario de Cantinflas voy a referirme a una de sus memorables líneas hecha película. Quienes les aburren estos temas (no-temas) es mejor que no sigan leyendo, algo que comprenderé muy bien.

En las recientes películas a color del comediante Mario Moreno Cantinflas, hay una en particular que pone el dedo en la carne en cuanto a denuncia moral se refiere. Cuando se hizo Su Excelencia (1967) estaba en pleno apogeo la Guerra Fría. El mundo polarizado en dos irreconciliables tendencias, simbolizada en el muro berlinés que dividía al mismo tiempo país, continente y planeta. De la izquierda a la derecha y viceversa, pero a los del medio nada. El mundo vuelto loco en dogmas y enardecidos fanatismos, que silenciaron en su momento tanto al Mayo Francés como a la Primavera de Praga.

En Su Excelencia el mundo se encuentra dividido entre Verdes (capitalistas) y Colorados (socialistas). Entrará en asamblea general para definir el modelo político definitivo el cual rija en todos los países. Cada uno manda un embajador para que emita un voto y a la vez un discurso. Algo parecido como se hace una vez al año en la ONU, en el púlpito donde hoy media Ban Ki Moon vimos desfilar las palabras hipócritas de Bush jr y la prepotente chulería de Hugo Chávez. En la película el personaje de Cantinflas toma una envidiable actitud imparcial, recalcando en su discurso la crítica a los procedimientos y no a las ideas. Algo que suele tocar sensibilidades de quienes viven de los pregonar habladas, consignas y demás palabras gastadas.

Comparto una actitud progresista, pero no soy de rendir culto ciego y partidista a ningún lado político; llámese diestro o zurdo. Posiblemente sea gracias a esta película, a lo que me enorgullece personalmente. Ser dogmatico en lo que se piensa limita la visión de mundo, no permite ser prácticos en la vida y evita señalar la corrupción e hipocresía que se dan en quienes se hacen llamar “Padres de la Patria”. Por eso admiro al embajador que interpreta Cantinflas, quien es parejo en sus denuncias en criticar las irregularidades que se dan tanto en la izquierda como la derecha política.

Ignoro a qué lado le apuntaba Mario Moreno Cantinflas fuera de cámara. En su página Wikipédica se dice que era de una tendencia conservadora, aunque llegó a ser presidente de su sindicato de actores. Desde ahí fue activista asiduo en contra del llamado charrismo sindical, práctica en la que un gobierno pactaba con los líderes sindicales a base dádivas. Era el caso del otrora vitalicio partido gobernante mexicano del PRI, el cual buscaba infiltrarse en todos los aparatos estatales y sociales para afianzar su poder. En tal caso ese recordado discurso que dice en su película continúa vigente y para rato.

Un siglo de cantinfleadas

2011-08-11T22:26:00.000-07:00

La RAE define cantinflear como “hablar de forma disparatada e incongruente y sin decir nada” (1).

Se ganó la vida como pudo; boxeador, soldado, torero y cirquero. El humor fue lo suyo y con él se hizo inmortal. Entre los recuerdos más vividos de mi infancia son las noches en las que transmitían todas sus películas en tv abierta. Era alguien muy anterior a mí, pero igual me reía no importa lo que interpretara: limpia botas, extra de cine, profesor, cura, conserje, empleado público, barrendero… pero sobre todo al emblemático peladito de pantalones caídos. Quizá no usaba un elegante bombín como el Charlot de Charles Chaplin, pero ese chonetillo de paja no solo lo hacía ícono. Junto con su inconfundible forma de hablar era algo que le permitía conectar con la gente.

En México hay aire festivo por la celebración del centenario de su legendario actor, al que con David Niven dio una vuelta al mundo en ochenta días. Al norte de la frontera ganó un Globo de Oro y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, premios pequeños comparados con el aprecio y admiración que toda Latinoamérica siente por él. Desde su muerte en 1993 al presente, su descendencia oportunista busca adueñarse de los derechos de la propiedad intelectual de toda la filmografía del humorista. Cuando Mario Moreno Reyes dejó de hacer películas se puede decir que el cine mexicano fue perdiendo el esplendor que tuvo en otras épocas. Ahora el dial televisivo se satura de telenovelas, refritos y programas faranduleros. Qué suerte que no vivió para ver lo bajo que cae la cultura en su país. De la guerra del narco mejor ni hablar.

Felicidades póstumas a Cantinflas en su centenario de nacimiento.

Una generación perdida

2011-08-05T22:00:00.000-07:00

"...y estos niños que ustedes desprecian, cuando ellos intentan cambiar su mundo son inmunes a sus palabras. Ellos bien saben lo que les pasa..."

David Bowie

Me encontré The Breakfast Club (1985) de pura casualidad hace unos años, pocas semanas de egresarme del colegio. Donde vivo la antena de TV solía agarrar de forma aleatoria canales de televisión que muchos suelen pagar para ver en cable. Fue el caso de Cinecanal, en la que una mañana soleada y desocupada haciendo zapping me encontré con una película empezada a la que afortunadamente terminé viendo. Fascinado la busqué tiempo después para verla completa, fue un placer saborear desde los títulos a los créditos finales al compás de esa popular canción de Simple Minds, Don´t You Forget About Me: el himno de esta película.

Es una película ochentera a plenitud, como el soundtrack de fondo lo subraya a todo volumen. Pero es tan universal y vigente tanto antes como después. Luego de verla como a la tercera vez me fui divagando en la vida que tuve como colegial, teniendo de todo un poco de varios personajes. La verdad en mis seis años de colegio fui una especie de sonámbulo, adormecido por la doctrina que me dictaban los hombres y mujeres tras el pizarrón. Un zombi también en la posición en la que los colegiales deben encajar arbitrariamente. Los populares, los deportistas, los nerds (o verdes) o los raros. Son burbujas que privan del mundo real, un placebo que nos inyectamos para evitar mirarnos a la cara. Algunos ya caen en la decepción de no ser el centro de atención. Otros no salen de esa matrix hasta el día de la graduación o deserción. El ego cae por los suelos, los falsos amigos se desaparecen y comienza el peregrinaje para hallar a los verdaderos; que suelen ser contados con el dedo de la mano. Comienza la búsqueda en saber quiénes somos de verdad.

La primaria o secundaria adiestran a la persona de temprana edad en la rutina laboral que debe seguir como adulto. Hay sociabilidad, pero no es tan real como parece. Por más trofeos, castigos o cuadros de honor que tengamos; suele pasar que fuera del invernadero llamado escuela/colegio la mala hierba prominente crezca mejor que el resto de la domesticada cosecha transgénica. Conozco a más de un ternero que camina en contravía el cual encuentra su propósito de vida sin matricularse a un exclusivo instituto de enseñanza. Tanto públicos o privados, es un mundo de reglas donde el más tenue signo de anarquía o progresismo debe ser castigado con todo peso por igual, hacia alumnos y profesores.

Un escenario ideal para romper con esa irrealidad es un día de detención, donde cada miembro de las tribus urbanas es obligado a convivir juntos todo un sábado; a la supervisión de un miserable burócrata educativo que no tiene nada más productivo que hacer que velar por el castigo de un atleta (Emilio Estevez), una chica fresita (Molly Ringwald), una rarita (Ally Sheedy), un sarcástico matón (el genial Judd Nelson) o un nerdo (Anthony Michael Hall). Estos al pasar del día no se ven tan diferentes como quiere que el mundo crea que es. Seres aparentemente antagónicos fumando marihuana dentro de una biblioteca y sincerándose unos a otros. Fue lo que más me impactó en la primera vez que la vi.

Hace poco que estuve en un café Internet en un contrato a un mes, custodiando computadoras durante diez horas, seis días a la semana. Ésta fue la primera película que vi en un mes. No hubo elección más acertada para celebrar con un whisky el fin de ese rutinario mes de julio. Que me mantenía tan adormecido, bajándome al mínimo cualquier signo creativo por el sopor de mirar horas y horas una computadora. Ver de nuevo The Breakfast Club fue una sabrosa bocanada de aire. Es una cinta para cualquier generación, que rejuvenece con cada tarde en la que uno va con el puño en alto. Caminando lejos de cualquier presión o estereotipo.

"Estimado Sr. Vernon: Aceptamos que debimos sacrificar nuestro sábado como castigo. Pero es una tontería hacernos escribir acerca de quién creemos que somos. Usted nos ve como quiere vernos en los términos más simples, los estereotipos más convenientes. Lo que descubrimos es que cada uno de nosotros es un cerebro, un atleta, una loca, una princesa y un delincuente. ¿Eso contesta a su pregunta?

Atentamente, el Club de los Cinco (The Breakfast Club)."

El fauno que nunca existió

2011-07-21T13:46:00.000-07:00

(Advertencia de spoilers)

El domingo volví a ver el Laberinto del Fauno (2006), que en su momento la vi en el cine y luego un par de veces en dvd. En su momento me fascinó mucho, igual que ahora con una nueva vista. A veces es bueno volver a ver una cinta luego de mucho tiempo, porque con el bagaje que vamos ganando o bien la saboreamos más o terminamos regurgitando a la hora de los créditos. Además, nos puede dar un criterio diferente porque de una época a otra podemos ser personas muy opuestas.

En la infancia solemos tener amigos imaginarios que sacamos de la mente o de los libros que leemos. Al crecer así como vamos perdiendo la capacidad de inducir sueños lúcidos, nos vamos encaminando en la ruta del escepticismo. Adorando las nuevas deidades imaginarias que nos sermonean en una iglesia, o bien encaminarnos a causas (que suele derivar en diversos fanatismos) que den sentido a la existencia. Son pocos que en edad adulta prefieren pensar como niños, los cuales terminan en manicomios o sanatorios por no encajar en las jerarquías del escepticismo.

En el caso del Laberinto del Fauno, las jerarquías de escepticismo se dan por la brusca acción de la Guerra Civil Española; ya finalizada salvo por focos de resistencia. Como un pez que aletea ahogándose en el aire, buscando entrar de nuevo en el agua. Don Paco y sus Falanges buscan afianzar sus cimientos a base de autoritarismo. Los guerrilleros en cambio se resisten a la derrota y ese nuevo orden que polarizará el país. En la línea de fuego siempre está la gente, adultos sucumbidos al miedo y niños o niñas como Ofelia que buscan huir de cualquier forma. Ante el miedo que le genera el autoritarismo de Vidal (Sergi López), un militar sádico y sarcástico como el Amon Goeth que interpretó Ralph Fiennes en La Lista de Schindler (1993), Ofelia (Ivana Baquero) se refugia en los cuentos de hadas que trae al campo donde está acuartelado el regimiento de su padrastro.

Ofelia está obligada a vivir en ese mundo de adultos, por lo que las hadas de esos libros de fantasía la conducen a la mitad de un laberinto donde encuentra un fauno. Un ser mitológico del mundo pagano, el cual posiblemente fue satanizado por el cristianismo con la llamada bestia del patas de cabra. Vemos una película un fauno muy opuesto a los de C.S. Lewis en Narnia, un ser arbóreo ambiguo de pensamiento; de aire ladino e incluso traicionero. La guerra de Vidal contra los últimos bastiones guerrilleros se traduce para Ofelia en las tres tareas que le asigna al fauno. En frente se ve a un enorme sapo que carcome las entrañas de un enorme árbol, un hombre pálido impasible pero sanguinario que busca tentar con la mesa servida y una prueba final que trata de medir la integridad. Aún así, queda en evidencia que el auténtico monstruo es el Capitán Vidal por todo lo que es y representa.

Al final de la película cuando Ofelia está con el fauno a mitad del laberinto, Vidal quien la iba persiguiendo da con ella pero la ve sola (pero a los ojos del espectador la observamos con el fauno. Aquí fue cuando ayer llegué a la conclusión de que el fauno en la película nunca existió realmente. Todo lo que vimos en la película referente a Ofelia fue producto de su imaginación. Parece cruel, aunque es obvio dentro de lo racional. Esa era la salida que tenía Ofelia, que a diferencia de los adultos gozaba con la ventaja de ser niña. A pesar de los malos tiempos que vivamos, nunca seremos tan libres como lo somos en la infancia. Que otra salida le queda, salvo recurrir a su mente.

Cuando Ofelia es asesinada por el infame Vidal, encuentra la libertad en su imaginación. No existirá ese reino subterráneo en donde es princesa, pero aferrarse a esa idea en el último momento de su vida es quizá lo que le dé valor a su existencia personal; aunque en ojos adultos no cuente para nada. La vida no vale mucho en un mundo de guerra y represión, donde cualquier fuego de oposición es apagado con violencia. En esas circunstancias a veces creo no hay mucha culpabilidad en fantasear. Sobre el término piensó que no necesariamente es recurrir exclusivamente a los cuentos de hadas.

Buscando a Gollum

2011-07-18T21:09:00.000-07:00

La trilogía fílmica de El Señor de los Anillos está entre lo mejor entre lo que se refiere a fantasía en el cine. Un género que al igual que la Ciencia Ficción, buscan ordeñarlo a base de efectos especiales y moralejas flojas. La saga adaptada hace diez años por Peter Jackson, es un deleite visual que no parece caer en los errores y escapismos del género. No hace mucho la volví a ver (con las versiones extendidas) y concluí que además de gustarme tanto como la primera vez que la vi, es algo que vale la pena ver. Fantasía con profundidad y seriedad, en la Tierra Media de Tolkien.

No hace mucho fanáticos del mundo Tolkiano produjeron ad honorem con presupuesto muy modesto, un cortometraje el cual es una pequeña precuela de lo que se omitió en la adaptación de La Comunidad del Anillo referente a Aragorn y Gollum. No será lo mismo a lo hecho por Peter Jackson y su extenso equipo de producción que grabó por Nueva Zelanda por más de un año, pero The Hunt for Gollum (2009) logra ser un trabajo muy pulido el cual busca sacarle jugo a las soberbias panorámicas. Pese a lo limitado en recursos, no nos muestra un producto acartonado. Centrado en la figura de Aragorn, el cortometraje es fiel y trata de ir más allá en la sensibilidad Tolkiana.

Con el comienzo mostró calidad, la cual mantiene en gran parte del metraje. Al final no termina tan convincente como cuando empezó. De todas maneras tiene sus virtudes. Este cortometraje se puede ver por Internet, aunque hay que taringear por aquí para encontrarlo subtitulado. Ver el trailer por acá.

El Potter de Cuarón

2011-07-15T21:57:00.000-07:00

Hace un poco más de diez años, vagaba en una librería en Cartago ojeando títulos y portadas. Di entonces con una edición en pasta dura de un chiquillo anteojudo, el cual iba volando en escoba sobre un castillo. Se trataba de la Harry Potter y Piedra Filosofal, el primer libro con el que una otrora madre soltera que vivía de la caridad publicó para ganarse la vida. Ese día me costó tres mil colones (unos seis o siete euros) y no me imaginaba que casi un año después le adaptarían una película, lo cual le daría popularidad encareciendo los libros de Rowling al igual que una manufacturación de productos en serie que saldrían de fábricas del tercer mundo.

Hoy en día J.K. Rowling ya no debe apelar a la lástima (ni mucho menos preocuparse por su calidad literaria) para ganarse la vida, pues tiene más fortuna que la misma monarquía británica. En tanto a mí ya más crecido no niego haber disfrutado de la heptalogía de Harry Potter, aunque sería de idiotas negar que hayan letras y autores más dignos de leer propias del mundo real en qué vivimos. Si bien la algarabía se fue diluyendo al crecer, no me negué a ver las siete películas estrenadas antes de hoy. Ya más exigente y quisquilloso en criterio, es posible que entre toda la seguidilla de ocho películas haya una que valió la pena el boleto. Mientras que medios de comunicación, revistas y centenares de blogs por Internet hablarán hasta los codos sobre HP and the Deadly Hallows 2 (2011), al igual que suele hacerse con cada estreno en masa; me dignaré en comentar el trabajo con el que el Alfonso Cuarón hizo con el tercer tomo de la saga.

Antes del que el mexicano le valiera mierda la fanaticada de Harry Potter, necia y quisquillosa cuando la película omite alguna parte del libro, el norteamericano Chris Columbus fue quien adaptó (más complaciente) las dos anteriores partes. Hoy digo que esas películas son una fotocopia descarada una de la otra, ñoñas como cualquier película de Disney. Quizá porque los productores se preocupaban por las críticas de supuesto satanismo en el mago estudiante (JA-JA sarcástico) que recibió de la Logia de Vagabundos, Pederastas y Santulones que son los sectores conservadores en el Vaticano. Conveniente quizá para atraer a la familia en masa, pero en las siguientes partes (progresivamente más tenebrosas) esa tendencia debía cambiar a toda costa.

Cuarón tiene un currículum muy opuesto al de Columbus, mientras este se iba por una temática familiar, el mexicano era un trasgresor nato al lado de sus cuates Guillermo del Toro y Alejandro Gonzales Iñarritú. Borró entonces cualquier rastro de ñoñería haciendo cambios muy drásticos en escenografía, vestuario y argumento incluso. Lo que desataría la ira fundamentalista de los “talibanes de Harry Potter” (en palabras de Cuarón hacia los fanáticos). Pero a la larga muchos se lo agradecieron, ya que los directores de los siguientes tomos de la saga caminarían por ese sendero y no en el de Columbus.

En Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004) vemos un ambiente más adulto, el cual sin embargo no busca excluir a los menores. Tan oscura se vislumbra que el infaltable partido de Quiddicht (jugado a todas luces en las anteriores partes), se ve asediado por una relampaguéate tormenta; donde tanto la lluvia como los dementores van desmembrando cualquier el ambiente de calidez. También entre otras cosas, la película se prestó mucho para la experimentar, buscando mostrar personajes como gente más real. Más humanos y menos forzados en sus sensaciones. Es por eso que los escasos minutos donde participa Gary Oldman, quizá sea la mejor actuación de todas esas películas; muy por encima a las horas de rodaje de un actor malo como Daniel Radcliffe.

El Prisionero de Azkaban sería la última película de la franquicia a la que John Williams le compondría la banda sonora. Tal vez por lo mismo, nos da una buena musicalización que distingue bastante de las anteriores (muy hechas al copy + paste). Predominan mucho los sonidos medievales, dando un aire más siniestro en especial de la escena del coro de las ranas (Double Trouble) sacado de las primeras páginas de Macbeth; obra maldita de Shakespeare. La verdad eEcho bastante de menos la música de Williams; sustituida por los ritmos despampanantes de Patrick Doyle, las muy tenues melodías de Nicholas Hooper y una más equilibrada composición de Alexander Desplat.

Otra cosa que distingue al mexicano de Columbus es como se desenvuelve la imagen. Mientras que con Columbus predominaban los ambientes cerrados, Cuarón da bocanadas de aire fresco al grabar bastante en exteriores. Hubiera querido trabajar con su paisano, el genial director de fotografía Emmanuel Lubezki. Aún así se lograron muy buenas escenas como el memorable vuelo de Harry con el hipogrifo. Esta escena de minuto y medio para mi es quizá, mejor que las dos películas de Columbus juntas.

No se si habrá quien le de crédito a Alfonso Cuarón. Más de un productor le propuso dirigir las siguientes películas. Por suerte se negó, ya que de lo contrario nos hubiera privado de una joya como lo es Children of Men (2006). El que es sin embargo, su último largometraje a la fecha. Se habla de un proyecto de ciencia-ficción llamado Gravity, el cual ha tenido bastantes problemas en encontrar un reparto comercial que se adapte a una película de autor. Igual no estaría de más que volviera a dirigir otra cinta en su país.

Que la fuerza esté contigo, John Williams

2011-07-12T21:53:00.000-07:00

No hace mucho despotriqué contra George Lucas y su afán maníaco en tecnocratizar el arte. Manías que incluso le llegan a recriminar fanáticos de Star Wars, en sus constantes ediciones a la primera trilogía galáctica en pos de mejorar la calidad visual de las mismas; aunque se ha abusado en detalles quizás que se salen un poco de la propuesta original. Sin embargo, entre tanta reedición y edición de colección que promueve la franquicia o más bien Imperio Galáctico de Lucas hay pocas cosas en las que me despiertan la atención.

Soy un melómano de los soundtracks, anglicismo equivalente a bandas sonoras (música para cine). Además de venerar a legendarias figuras como Ennio Morricone y Vangelis, prolíficos en trabajo y en calidad, otro al que suelo tararear es a John Williams. Norteamericano de nacimiento, el cual es infaltable en la realización de partituras de tanto para Lucas como para Steven Spielberg, el cual se ha aburrido desde hace unos años de hacer películas y de ser idolatrado en Hollywood; que últimamente se ha limitado a producir algunos blockbusters.

El trabajo de Williams es también extenso, aunque ha calado más en la cultura popular. Más de uno hemos tarareado alguna vez los estribillos de Superman, Indiana Jones y sobre todo Star Wars el cual con cada estreno nos cae un monstruoso tsunami de publicidad. Con trece años aún recuerdo que casi enloquezco con la propaganda previa a la exhibición La Amenaza Fantasma. No había producto que no le hiciera publicidad a la película, desde el perro Taco Bell hasta el gallo Cornelio. El caso es que sin pertenecer a esa cultura friki que se disfraza de Darth Vader o Jango Fett, la cual juega con sables de luz imaginarios y tiene una infinita colección de muñecos o vasos Coca Cola. Me había enganchado a la saga de Star Wars por las geniales notas que John Williams compone.

La música de Star Wars no es solo el inconfundible estribillo que acompaña al comienzo de cada película, con el título del episodio y demás textos inclinados. El soundtrack van entre notas rápidas y estridentes a otras más lentas y sublimes. Todo alternando entre lo épico, romántico y cómico. Cuando me conseguí el soundtrack de La Venganza del Sith, traía además del disco de audio, un memorable DVD que rinde tributo a toda la música de la saga galáctica. Star Wars A Musical Journey es una recopilación de los temas musicales, los cuales vienen editados con varios collages de escenas de las dos trilogías.

Este DVD, de aproximadamente de unos setenta minutos, lo he visto en algún escaparate de videoclubes. Aunque también se puede encontrar en la infinita telaraña del Internet y cómo no, en You Tube con el cual enumero la mayoría del material. Tiene spoilers, aunque resume en una hora el contenido de seis películas.

A Long Time Ago -
"20th Century Fox Fanfare" / "Star Wars Main Title" (de todas las películas)
Dark Forces Conspire -
"Duel of the Fates" (de Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma)
A Hero Rises -
"Anakin's Theme" (de La Amenaza Fantasma)
A Fateful Love -
"Across the Stars" (de Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones)
A Hero Falls -
"Battle of the Heroes" (de Star Wars Episodio III: La Venganza de los Sith)
An Empire Is Forged -
"The Imperial March" (de Star Wars Episodio V: El Imperio Contraataca)
A Planet That Is Farthest De -
"The Dune Sea Of Tatooine" / "Jawa Sandcrawler" (de Star Wars Episodio IV: Una Nueva Esperanza)
An Unlikely Alliance -
"Binary Sunset" / "Cantina Footage" (de Una Nueva Esperanza)
A Defender Emerges -
"Princess Leia's Theme" (de Una Nueva Esperanza)
A Daring Rescue -
"Ben's Death" / "Tie Fighter Attack" (de Una Nueva Esperanza)
A Jedi Is Trained -
"Yoda's Theme" (de El Imperio Contraataca)
A Narrow Escape -
"The Asteroid Field" (de El Imperio Contraataca)
A Bond Unbroken -
"Luke And Leia" (de Star Wars Episodio VI: El Retorno del Jedi)
A Sanctuary Moon -
"In The Forest (Concert Suite)" (de El Retorno del Jedi)
A Life Redeemed -
"Light Of The Force" (de El Retorno del Jedi)
A New Day Dawns -
"Throne Room" / "Finale" (de Una Nueva Esperanza)

Time Spent

2011-07-10T20:27:00.000-07:00

David Sylvian es uno de mis músicos de cabecera. Con su (ex) esposa Ingrid Chavez hicieron mientras estuvieron casados un video casero a 8 mm, en el cual a base de imágenes perdidas de ellos y sus hijos comparten un contenido con aires existenciales. Eso en el inglés que pude entender además de imágenes que parecen ser un álbum de fotos familiar, se refuerzan en la música de fondo compuesta por ellos mismos y que es también argumento de este material visual.

La verdad dudo que este metraje haya vagado en algún festival y menos en una sala de cine. No así este blog está para no obviar la pretensión o el intimismo artístico que se encuentra a la mano de internet. El repertorio de canciones incluye en su mayoría piezas del disco Dead Bees On A Cake (1999). Parte de una discografía amplia en la cual ha sido muy versátil en su época de solista apartir de los ochentas, la cual experimenta entre ambientes psicodélicos a ritmos más de lado al folk el día de hoy.